Elvis Presley - Jailhouse Rock

El 30 de abril de 1957, entre las 10 de la mañana y las 13.45 de la tarde, en los estudios de radio de la M.G.M. (Metro-Goldwin-Mayer) en Hollywood, California, cuatro músicos llamados Dudley Brooks (pianista), D.J. Fontana (batería), Bill Black (contrabajista) y Scotty Moore (guitarrista), junto con Gordon Stoker y Neal Matthews (coristas) acompañaron a Elvis Presley para grabar una de las piezas fundamentales del rock and roll y posiblemente de todo el siglo XX: "Jailhouse Rock". Se grabaron 6 tomas, siendo la 6ta. y última la definitiva, ya con el combo perfectamente acoplado para darle a la canción de Jerry Leiber y Mike Stoller un acople y una sustancia definitiva... y legendaria. Una semana después los músicos completarían en el mismo estudio californiano el soundtrack completo de la película homónima, una de las pocas realmente destacables dentro de la filmografía de Elvis.
Viene a cuento todo esto porque anoche la escuché en un salón, con un sonido respetable y a buen volumen y me soprendí de lo verdaderamente fuerte, clara y poderosa que suena a 56 años de haber sido grabada sin la parafernalia técnica con que hoy día cuenta cualquier estudio, aún casero. El sonido de la batería es brillante, el redoblante parece que estuviera sonando en el mismo espacio en donde uno la está escuchando, las escalas del piano son nítidas y le ponen un swing inigualable a la canción y el sólo de Scotty Moore fundó toda una escuela y al día de hoy sigue siendo tan reconocible como la propia canción. Mientras tanto, Elvis llega a la 6ta. toma con el desgaste vocal exacto para darle a la lírica un sentido de urgencia e intensidad que sólo se puede traducir en tres palabras: rock and roll.
Del video hablé mil veces. Y hablaría otras mil para decir lo mismo: es el mejor video jamás hecho de una canción, en cualquier lugar, en cualquier género.

Paul McCartney - No Other Baby

Una insignificante y alegre canción de los '50 que Paul McCartney se aprendió de memoria cuando tenía 15 años ("nunca tuve el disco... todavía no lo tengo" comentaba en las notas de su disco "Run Devil Run") y que recreó en esta grabación pero de una manera absolutamente oscura, muy distinta a la versión original de los Vipers, la banda que originalmente la publicó. A un año del fallecimiento de su esposa Linda, el tono es inequívocamente doloroso y evocativo... "I don't want no other baby but you...". Cuando en algún momento de mi vida pasé por algo similar, me recuerdo cantándosela a mi bebé Dylan para arrullarlo en las noches. El video es de lo mejor que le vi a McCartney, si no el mejor, porque transmite ese sentimiento de soledad y desamparo desde una concepción casi poética de la cámara. Pocas veces McCartney logró expresar una emoción -una tristeza tan grande diría yo- de una forma tan profunda y a la vez contenida, lejos del sentimentalismo que le conocemos. Lo que se calla es mucho más evidente y desolador que lo que canta. Y la banda que lo acompaña es en sí un tributo a Linda... David Gilmour de Pink Floyd en la lira, Ian Paice de Deep Purple en la batería. En fin... una canción tan simple como emotiva que no deja de conmoverme y de hablarme al oido para recordarme que de algunos pesares nunca se regresa del todo...

R.E.M. - Everybody Hurts

Cuando me preguntan cuál es el mejor video de una canción que he visto jamás pienso en las pirotecnias de monstruos danzantes de Michael Jackson ni cosas por el estilo. Siemore, contra viento y marea sostengo a éste video de R.E.M. como el mejor que vi, promediando todo lo que espero de un video. Es cierto, el texto de la canción es tremendo -aunque también esperanzador como conclusión- y todavía le agregan unos subtítulos que reflejan lo que está pensando y sintiendo la galería de seres humanos que transitan por las imágenes cargando el peso de sus miserias como una lápida. Alguna vez la eligieron como la canción más deprimente de la historia del rock y no dudo que lo sea, pero aquí no deja de ser una combinación de música, texto e imágenes, de interpretaciones y dirección casi poética, tan angustiante como admirable. El propio guión debiera haber ganado un Oscar si los videos musicales calificaran como cine. Y es increíble que ese mundo del cine no haya jalado a Michel Stipe para explotar su veta actoral. Es alguien capaz de emocionar con la pura gestualidad sin tener que abrir la boca para cantar. No lo digo sólo por este video, también hay momentos interpretativos gestuales épicos registrados en video de varios conciertos de R.E.M que he visto. Es un actor fabuloso.
Pésima rola para un domingo en la tarde, pero no deja de escupir una lastimosa cuota de verdad que siempre nos jode reconocer, sea el día que sea: todo el mundo te lastima alguna vez...

Paul McCartney - Please, please me (en vivo, 2002)

Lo primero que aprendí a decir (ya que no a cantar) en inglés, aún sin saber el significado fue "last night I said these words to my girl, I know you never even try, girl... c'mon, c'mon, c'mon, please, please me, oh yeah, like I please you!" Lo gritaba como un desaforado a los diez o doce años años frente a un espejo tocando una escoba al revés -no había escobas para zurdos entonces, creo que todavía no las hay- y aunque nunca fui zurdo, quería ser Paul McCartney. Entiéndase, no "como" Paul McCartney... quería ser Paul McCartney. Es más, todavía quiero. No había en mi vida nada que no fuera Beatles, juro que absolutamente nada. Nada era tan valioso, tan excitante, tan emocionante, tan importante. Y si no fuera porque la vida nos hace conocer otros arrabales que nos van completando, posiblemente todo seguiría siendo igual. Esta fue la canción que me hizo perder el jucio -o debería decir, la primera-, pero todas las que vinieron después tenían las mismas cuatro firmas. Y es increíble que a 50 años de haber sido grabada, uno de los dos autores la siga cantando con semejante pasión, con la misma energía, si es que no más. Pasión y alegría que contagia, que lleva la nostalgia a terrenos difíciles de soportar. Por eso entiendo a la joven del minuto 1.46 que protagoniza uno de los pucheros más preciosos de la memorabilia beatle en video y a la señora del minuto 1.50 que rompe en llanto su emoción mientras la otra que la acompaña -¿su nieta, su hija?- la mira burlonamente mientras sigue cantando como si nada, como si fuera una de Shakira o del Sanz, sin entender que esa ya casi anciana dejó la piel en ese "please, please me" que la  regresó cinco décadas en el tiempo, aquel en todos éramos mejores -o nos preparábamos para serlo, aún sin haber nacido-, mas bellos, invencibles al amparo de ese estribillo todopoderoso. Apenas dos minutos tardaron Los Beatles para provocar el tsunami musical más poderoso del siglo XX con éste, su primer número 1. Dos minutos para cambiar el mundo, para que nuestra vida fuera mejor sólo por el hecho de haberlos conocido.
Y para acabar... te gusten o no Los Beatles, querid@ amig@, si está canción no te levanta el ánimo, tu pobre corazón no tiene remedio.

Fleetwood Mac - Second Hand News

Corría 1977 y Fleetwood Mac se aprestaba para convertirse en la siguiente gran cosa del rock/pop americano. La excusa, el motivo o el detonante para tal suceso vendría de la mano de un disco que los posicionó como la perfecta banda radial, un prospecto de lo que luego se conocería como AOR (rock orientado al público adulto) y que de manera sorprendente para los mismo integrantes de la banda se convertiría en el disco más vendido en la historia de la música hasta que el más blanco de los hermanos Jackson pubicara en 1983 ese fenómeno a prueba de balas llamado "Thriller". Pero apenas editado, aún los paladares más exigentes tuvieron que reconocer que el nuevo disco de los Mac era algo sensacional, una aplanadora de hits, un álbum que podías poner de principio a fin hasta gastarle los surcos sin cansarte de oírlo.

Grabado en los míticos Record Plant Studios de Sausalito, California, “Rumours” encontró a Fleetwood Mac siendo casi una combinación de Los Beatles con Abba: el Mac de fines de los ’70 era un culebrón de parejas entremezcladas y relaciones amorosas conflictivas entre sus integrantes. Pero también de talentos individuales poderosos en la parte creativa y vocal que al igual que los 4 de Liverpool generaban una tensión y una sinergia creativa e interpretativa sorprendente. Cuesta trabajo el creer que una obra que se convertiría en un clásico instantáneo y en un fenómeno de ventas que a la fecha sigue facturando de manera consistente haya sido procreado en un ambiente de recelos y descontrol que hubieran hecho persignarse a los más desaforados rockeros, punketos o heavy metaleros de la época. Los propios ingenieros de Record Plant afirman que Fleetwood Mac llevó la palabra “excesos” a un nivel desconocido hasta entonces durante aquellas sesiones. Y la misma Stevie Nicks asegura que tuvieron que tocar fondo en todos los sentidos para que aquella obra pudiera emerger, no ya como una manifestación de talento sino como una necesidad de supervivencia grupal y personal. Tan enfermo estaba aquello que la pareja que en la vida real constituían Lindsay Buckingham y Stevie Nicks no dudó en ventilar sus trapos nada menos que en la canción que abre el disco. Y en un gesto que honestamente no sé si adjudicárselo a cierta bizarra forma de madurez o a simple intoxicación química, en lugar de aventarse canciones el uno contra el otro –lo típico en estos casos-, eligieron una y la cantaron juntos. En “Second Hand News” Buckingham sin pelos en la lengua la acusa de pintarle el cuerno, le grita que él no es una “noticia de segunda mano” y que si ella se larga –obviamente con el tercero en discordia- no la piensa extrañar. Nicks no solamente aguanta como la dama de hierro que es, sino que le regala una de las mejores segundas voces y armonías que este servidor haya escuchado jamás en una canción pop.

“Second Hands News” no es la mejor canción de "Rumours" en caso que haya una. Pero abre el disco de una manera incendiaria a pesar de ser acústica. Buckingham está enojado, frustrado, cansado, desolado. Nicks, ya se ha dicho, calla –cantando- y otorga, Mick Fletwood le pega a la batería como si algo tuviera que ver con el asunto, Christine McVie pone unas armonías deliciosas que no le piden nada al “Because” de Los Beatles y John McVie al bajo abusa de su habitual "low profile" y desentona poniendo un toque necesario de sobriedad -paradójico en alguien que se destacó por ser uno de los más grandes bebedores del blues británico- en medio de aquel aquelarre de ego, cocaína, infidelidades y pasiones inconfesables- poniendo el ritmo consistente de su bajo metronómico que parece no querer llamar la atención, no sea cosa que le caiga una bala perdida.

Afortunadamente americanos en aquellos años –en su natal Inglaterra no habrían sobrevivido al tsunami del punk- Fleetwood se convertiría gracias a “Rumours” en la nueva gran bestia pop de los ’70 y definirían un sonido que marcaría mucho de lo que vendría después…

The Rolling Stones - Mixed Emotions

Los Rolling Stones cumplen 50 años... y su última canción "buena" -y hasta muy buena si me apuran un poco aunque el riff de guitarra sea un descarado robo del "Neighborhood Bully" de Bob Dylan de su disco "Infidels" de, '83-, es "Mixed Emotions" que está por cumplir 24. Es decir, que de su muy festejado medio siglo de vida la alegre banda de las piedras rodantes lleva la mitad sin hacer canciones -no hablemos de discos- que estén a la altura del impresionante catálogo de clásicos que firmaron entre el '62 y el '81 -su último gran disco es de ese año, el "Tatoo You"-. Entre el '81 y el '89 hubo dos que tres canciones aceptables naufragando en un par de discos malos. Y el "Steel Wheels" del '89 dejó un buen sabor de boca con esta canción y dos o tres más que prometían... ¿Qué les pasó después? Jagger y Richards hicieron muy buenos trabajos solistas por su cuenta en esos años -de hecho los Expensive Winos de Richards eran mucho pero mucho mejores que los mismísmos Stones en aquellos tiempos, tanto en estudio como en concierto-. Lo cierto es que, de manera evidente, comenzando los '80, la magia se terminó. Bodas de Oro stonianas con emociones mezcladas, como dice esta estupenda rola...

The Blues Brothers...

Los Blues Brothers fueron el mejor chiste en la historia del R&R después de Kiss. Surgidos del programa de televisión más famoso del mundo (el "Saturday Night Live") como un número de comedia más, se terminó convirtiendo en un fenómeno que incluyó una película y una colección de discos verdaderamente memorables. Los actores John Belushi y Dan Aykroyd le daban vida a los hermanos Jake y Elwood Blues -cantando de verdad, fantásticamente Belushi- y respaldados por una banda de verdaderos animales del rock, del blues y del soul blanco como Steve Cropper y Donald 'Duck' Dunn, entre otra comitiva de talento. La película se transformó en objeto de culto gracias a la participación de leyendas como Aretha Franklin, John Lee Hooker, Ray Charles y James Brown entre otros. Aparecía también Carrie Fisher (la princesa Leia de "Star Wars", haciendo tiempo en lo que comenzaba la filmación de "El Regreso del Jedi"). Lamentablemante Belushi, que estaba junto con Aykroyd preparando y pre-produciendo lo que iba a ser la siguiente película de ambos, "Los Cazafantasmas" y grabando más discos de los Blues Brothers, murió por una sobredosis de todo lo que se metía, en un penoso episodio en el que también estaba involucrado su gran amigo Robin Williams. Su lugar en los míticos "Ghostbusters" sería ocupado por el gran actor Bill Murray. Los Blues Brothers se han ido reciclando desde la muerte de Belushi, incluso con su hermano Jim -con todo y otra película y disco en el 2000-, pero a criterio de este servidor ninguna reencarnación ha superado ni superará el ángel y el carisma de Jake & Elwood, los verdaderos y originales hermanos Blues.
De la banda de sonido de la película de 1980 me quedo con estas dos versiones: la primera es un cover del grandioso Solomon Burke, "Everybody Needs Somebody" y la segunda, otra extrarodinaria versión -sino mejor que la original- del "She Caught The Katy", del maestro Taj Mahal...

The Beatles - Love Me Do

Hoy hace 50 años el mundo amaneció distinto, imperceptiblemente mejor, mágica y misteriosamente unido por un nuevo vínculo al estado primario de las cosas y de la vida. Hace 50 años una tonta canción que hablaba de amor comenzó a revelar como pocas veces el inmenso, el infinito poder de la música y de uno de sus inmejorables sinónimos: Los Beatles...

Can - Mother Sky

El término "banda de culto" se inventó cuando surgieron los alemanes de Can con su no-rock psicodélico-minimalista, a prueba de clasificaciones y etiquetas. Alguien lo bautizó como "kraustrock" y a partir de ahí empezaron a salir imitadores hasta de debajo de las piedras. Canciones sin forma aparente pero hipnóticas que podían durar tres minutos... o cuarenta. Discos que son verdaderas obras de arte, como "Soundtracks" o "Tago-Mago", influencias que van desde la vanguardia experimental de un genio loco como Stockhausen, hasta el Pink Floyd germinal, pasando por la Velvet Underground y -cuando no- por los mismísimos Beatles. Diez años después, Joy Division se apropiaría alevosamente de la línea de bajo -entre otras cosas- y muchos darían por supuesto que los Joy habían inventado un sonido. Nada más lejos de la verdad. Si Warren Zevon fue el solista más injustamente subestimado del rock, a Can le cabe la misma condena pero como banda. "Mother Sky" puede parecer interminable con sus catorce minutos, pero cuando uno entra en el crescendo hipnótico de ese groove interminable siente que podría quedarse a vivir en ese trance. Unos verdaderos genios...

Warren Zevon & Bruce Springsteen - Disorder In The House

Unos meses antes de morir en 2003 y ya en parte habiéndolo decidido -renunció a los tratamientos más invasivos, que eran los únicos que le prometían alguna posibilidad-, Warren Zevon, quizás el más grande genio injustamente ignorado en toda la historia del rock, llegó a completar su último disco, "The Wind". El hombre reunió a una verdadera legión de leyendas para esa fiesta de despedida. No faltó nadie de los vivos, quizás solo uno de sus mayores fans y colaboradores de antaño: David Gilmour. Por lo demás, el casting fue impresionante: Jackson Browne, Bruce Springsteen, Emmylou Harris, Bob Dylan, Tom Petty, Joe Walsh, T-Bone Burnett, Ry Cooder, Jim Keltner, Don Henley, Dwight Yoakam, entre otra docena de talentos. David Letterman le "cerró" toda la hora de su famoso programa para él solo cuando presentó el disco, siete meses antes de morir, cosa que jamás antes había hecho ni volvió a hacer con nadie. Era uno de sus mejores amigos y admiradores. Le preguntó esa noche qué diferencia había entre la vida y la muerte, ahora que estaba caminando en el alambre que las separaba. Zevon pensó unos segundos (esto está en YouTube, vale mucho la pena verlo) y le dijo que ahora disfrutaba cada sandwich. Cuando lo despidió, al final del programa, después de la última canción que tocó en público en su vida, Letterman lo abrazó y le dijo simplemente: "Enjoy the sandwich". Así se llamaría el disco que un año después algunos de sus talentosos y legendarios amigos le dedicarían, recreando varios de sus éxitos...
Les comparto la canción que Warren Zevon y Bruce Springsteen compartieron en aquellas últimas sesiones en la vida de ese artista enorme...
Buen fin de semana y disfruten cada sandwich...

The Buggles - Video Kill The Radio Star (en vivo)

Cuenta la leyenda que MTV irrumpió en el aire -y en la vida- de toda una generación con esta canción, la primera que transmitió el 1ro. de agosto de 1981, a manera de provocación, de amenaza o de simple profecía de autocumplimiento ("El video mató al ídolo del radio"). Pero mitos al margen lo cierto es que la canción suena tan bien hoy como hace 28 años. Tan cierto como que la banda que la engendró (The Buggles) nunca existió más que en la imaginación de un productor devenido en músico, un geniecillo llamado Trevor Horn. Realmente el proyecto fue una idea de Horn y del pianista y tecladista Geoff Downes (coautor de la canción) y nunca pasó del disco debut, ni siquiera para tocar alguna vez en vivo. Tan poca le fe le tuvieron a su banda a pesar del descomunal éxito de esta canción, que luego de su primer y único disco se unieron a las filas de Yes, en una de las múltiples re-versiones del mayor dinosaurio progresivo de la historia del rock cuando Jon Anderson y Rick Wakeman, sus legendarios vocalista y tecladista abandonaron al grupo. Luego de aquella efímera aventura, Downes terminó formando parte esencial de Asia, una de las derivaciones de Yes -posiblemente la mejor-, junto con el también ex Yes Steve Howe, el ex ELP Carl Palmer y el ex King Crimson y Roxy Music -entre otras bandas-, John Wetton. Esta versión de "Video Kill..." es de una reunión entre Horn y Downs en el año 2004, en donde recrearon estupendamente su clásico en una versión que está holgadamente a la altura de la versión de estudio -si es que no la supera- gracias al impagable aporte de las coristas que participaron en la grabación original de la canción. Como dato anecdótico cabe mencionar que en este mismo concierto, en beneficio del Prince's Trust del Príncipe Carlos celebrado en Londres, también se re-juntó aquella medio bizarra versión de Yes con Horn y Downes. Y también vale mencionarse que es común que en los conciertos de la aún vigente y magnífica superbanda Asia, Downes interprete una preciosa y sensible versión instrumental de ésta, su canción... quizás como presumiéndonos más de 30 años después que sí, que triste y efectivamente el video mató a los ídolos de la radio.

Neil Diamond - Soolaimon (en vivo, 1992)

Arbitrario como todo juicio, me pongo a pensar quiénes pudieran ser los más grandes hacedores de canciones populares que en los últimos 50 años han producido los Estados Unidos y me queda clarísimo que los primeros cinco lugares de esa lista debieran estar ocupados por Bob Dylan, John Fogerty, Paul Simon, Brian Wilson... y Neil Diamond. A veces siento que al viejo Neil no se le ha hecho justicia y que no es merecedor del reconocimiento que se merece. Imposible hacer una lista mínima de canciones inmortales, universales y legendarias que ha firmado. Hoy me quedo son Soolainmon, porque es una de esas canciones que yo llamo "totales". Tiene una letra que se aproxima mucho a la poesía, una melodía inolvidable y una intensidad emocional -sobre todo en el crescendo del final- que sólo se me ocurre comparar con clásicos indestructibles como "Hey Jude" o "Puente Sobre Aguas Turbulentas" e incluso "American Thrilogy" y "My Way" en las versiones de Elvis.

La palabra "soolaimon" proviene de la raiz árabe "salamah", que a su vez se emparenta con la hebrea "shalom" y que aún cuando tiene varias acepciones en Arabia y Africa (desde "hola", "adios" y "bienvenido") impone la tradicional judía de "paz" o "que la paz sea contigo". Diamond estudió cultura africana en la UCLA y ahí conoció el término y lo adaptó para escribir la letra e incorporarla junto con una serie de canciones que combinaban gospel y melodías africanas a su disco "Neil Diamond" de 1970. El prestigio que le generó su ambiciosa y lograda obra lo llevaron a componer e interpretar la banda de sonido de la película "Juan Salvador Gaviota", basada en la maravillosa novela de Richard Bach en 1973.

Oasis - Don't Look Back In Anger (en vivo en Wembley Stadium,)

La mejor canción de las que John Lennon no llegó a componer. Difícil imaginar una banda tributo tan cara, tan perfecta y tan hábil para desmarcarse del plagio -al menos legalmente- como Oasis. Esta es una canción totalmente beatle, tanto que hasta se la puede imaginar en la azotea de Apple, quizás entre "I've Got A Feeling" y "Dig A Pony" y calentando el ambiente para el broche de oro con "Get Back" con el que los Fab Four clausuraron el ciclo más exitoso de la historia de la música, el que abrieron Bach, Beethoven y Mozart dos siglos y medio antes (*). Los hermanos Gallaher son tan pero tan fanáticos de Los Beatles que no se conformaron con imitar (¿robar?) las secuencias de acordes y armonías, imitar la voz nasal de Lennon, cortarse el pelo igual y usar los mismos lentes modelo '66, sino que incluso se casaron con sus respectivas Linda y Yoko en los mismos registros civiles en que se casaron John y Paul y ficharon al hijo de Ringo como baterista de Oasis. Y como no podía ser de otra manera, en su afán por clonar a la dupla más gloriosa de compositores en la historia del rock, acabaron peleados entre ellos y llevan un par de años sin hablarse. Difícil imaginar cómo sonarían en vivo hoy Los Beatles, pero esta versión de "Don't look back in anger" creo -creo- se aproxima muchísimo. Pero hipótesis, chismes y plagios al margen, esta canción es absolutamente gloriosa.

(*) la exageración es cien por ciento mía y algún día escribiré un libro para justificarla. Y entonces dejará de ser -y parecer- una exageración.

Los Beatles - "Helter Skelter"

40 años después de su edición en el mítico y colosal Album Blanco de Los Beatles, Helter Skelter sigue sonando tan apabullante, inquietante, terrorífica y misteriosa como cuando los Fab la grabaron en una sesión catártica y alienante en la que pusieron en 10 todos los amplificadores de Abbey Road al punto de casi volar el techo del estudio. Ya para entonces no eran los cándidos muchachos que querían tomar tu mano. Eran cuatro tipos con frustraciones insoportables que se odiaban entre sí y que en lugar de matarse a golpes se encerraron una noche de brujas para fundirse como una sola entidad en un aquelarre infernal y grabar esta canción enferma para sacar, al menos por unas horas, todo lo que los estaba pudriendo por dentro. A pesar del propio McCartney, que quiso componer una estúpida canción sobre toboganes y resbaladillas, Helter Skelter se convirtió en una invocación de sus demonios personales, que acabó contagiando a sus tres compañeros para volver a crear una sinergia única, ya casi perdida en el cuarteto; musicalmente en algo nunca antes escuchado en un disco -una hazaña fundacional más en la historia de Los Beatles- y en un exorcismo musical que -así de tétrico- llegó a inspirar -según el retorcido y más enfermo argumento del criminal- algunos de los asesinatos del clan de Charles Manson, incluyendo el de Sharon Tate, esposa del cineasta Roman Polanski. La primer canción punk, metal y trash de la historia. La versión original, que supongo fue lanzada como el Anillo Unico al fuego de Mordor ya que nunca fue publicada ni siquiera en bootlegs, duraba 27 minutos. De esa legendaria y desaparecida toma sólo se agregó a la mezcla editada en el disco la voz de Ringo gritando al final, después de un falso final en el que la canción desaparece y regresa "¡Tengo ampollas en los dedos!" antes de desmayarse sobre la batería. Una verdadera locura. La revista "Q" la ubicó en el puesto 5 dentro del ranking de las 100 canciones de guitarra más importantes en la historia del rock.

Fuiste tú - Ricardo Arjona & Gaby Moreno

Una vez cada diez años Ricardo Arjona se desparasita, se emborracha de la manera correcta, sufre un desengaño marca José José, se divorcia, le hackean el facebook o qué se yo, el caso es que se deprime -o lo intenta-, y escribe una o dos canciones que superan eficazmente su catálogo de rimas fáciles, sus metáforas que hasta para la audiencia de Nickelodeon pecan de infantiles y la escatología de -por ejemplo- sus odas a la menstruación. "Fuiste tú" es una canción impecable, redonda. No le sobra ni le falta nada. Y tiene algunas líneas memorables ("... verte llegar fue luz, verte partir un blues..."). Pero si algo le agradezco al guatemalteco y a su estupenda canción es que me permitió conocer a su coequiper en este dúo, su paisana Gaby Moreno. Curioso como soy, sospeché que detrás de esa colosal voz había algo más, y efectivamente así fue. Descubrí su último disco "Illustrated Songs" y me encontré con una olla al final del arco iris, que reparte parejo en géneros -pasa del blues al soul y al jazz, del vodevil a la bossa nova, de lo pop-melódico a lo indie y al folklore latinoamericano-, se brinca del inglés al español y por sobre todo, fabrica canciones bellísimas tanto en melodía como en letras. Por eso y porque la canción me gustó mucho, aunque los arrabales de Arjona estén muy lejos de los míos, me acuerdo que lo melódico también puede -y debe, digo yo- ser un género digno y hago de "Fuiste tú" mi canción de la semana y al disco de Gaby mi disco en español del mes -y a cómo esto pinta-, posiblemente uno de los mejores del año.

... ah perdón Gaby, te bajé el disco porque la estúpidas disqueras están más preocupadas en inventar o promocionar estúpidos, en perseguir y tachar de delincuentes a los mismos fans que las engordaron durante décadas y a evitar deliberadamente el talento que puebla las calles, los vagones de metro, los mercados y los países que no fabrican ladies gagas o justin biebers, y por eso mismo sabe Dios dónde se consigue tu disco. Pero sospecho que gracias a tu paisano y tu espectacular trabajo en su canción, eso comenzará a cambiar a partir de ahora. Y yo te voy a pagar el disco comprando un par de boletos, cuando vengas a México.

Luz Casal - No Me Importa Nada (en vivo)

Hacía mucho que no escuchaba esta estupenda canción, escrita por el notable y entrañable escudero de Joaquín Sabina, Pancho Varona, en la voz de la colosal Luz Casal, a quien descubrí hace más de 25 años de la mano de un rock que me gustaba -y me sigue gustando mucho- llamado "Detrás de tu mirada". Aquí, ya toda una señora -y una luchadora que viene ganándole una batalla al cáncer- recreando este éxito que le regaló Varona hace años, una delicia de canción y una de esas letras únicas que más de una vez uno desearía refregarle en la cara a la mismísima vida y a toda sus broncas...

Beach Boys, Pet Sounds y Sloop John B.

Volví a escuchar de un jalón el "Pet Sounds" de los Beach Boys, que según muchos es el mejor disco de la historia y volví a confirmar que, lejos de esa posición, es el disco más empalagoso y sobrevalorado de la historia. Y gran parte de la culpa la tuvo Paul McCartney cuando dijo que "God Only Knows" era la mejor canción de todos los tiempos. Eso sí, qué buena versión hicieron del tema tradicional folk "Sloop John B." Se antoja escucharlos ahora que se reunirán para celebrar sus 50 años como banda. Un grupo importantísimo y esencial para entender la música popular del último medio siglo y posiblemente la única banda americana junto con Los Byrds a la que Los Beatles le copiaron unas cuantas cosas.

Tengo entendido que esta es la última presentación en vivo de la banda con la formación original completa. Años después, dos de los tres hermanos Wilson (Denis, el baterista y Carl, el guitarrista de barba y chamarra -campera- verde) fallecerían -muy jóvenes ambos-, quedando solamente Brian -al piano aquí- líder y compositor de la banda, su primo Mike Love, Al Jardine y Bruce Johnston. Todo este concierto es fantástico, el DVD no tiene desperdicio.

Frank Sinatra - Extraños en la noche

¿Cómo dibujar una noche en dos minutos para que sea todas las noches? Como ésta, como siempre... de amores y amantes, fugaces y extraños... extraños en la noche.

Diez años sin George

Hace diez años fallecía George Harrison, quizás el beatle perfecto, el que representó el equilibrio absoluto entre Lennon y McCartney, el que, pese a la condena de ser siempre la sombra de John y Paul, se vengó en el minuto final de existencia del cuarteto y firmó las mejores dos canciones del mejor disco de Los Beatles ("Something" y "Here Comes The Sun"). El 29 de noviembre de 2001 completaba su alma un tramo terreno en su existencia infinita y nos dejaba un poco más huérfanos... y mucho más tristes. Y es que a lo mejor Los Beatles se tienen que morir para confirmar que son inmortales... o eso pensé aquel viernes 30 en que me enteré.
Así lo despidieron su familia, su esposa Olivia, su hijo Dhani, Paul y Ringo, sus compañeros Wilburys Jeff Lynne y Tom Petty, sus mejores amigos Eric Clapton, Ray Cooper, Billy Preston, Joe Brown, Klaus Voorman, Ravi Shankar, Jools Holland -entre muchos otros- y, por supuesto, sus fans. Entre pétalos de rosa, canciones inmortales, lágrimas, sonrisas y nostalgia, un coro de guitarras gimieron suavemente y le dijeron lo que desde un rincón del alma yo también le dije: "amigo, hermano George, te veré en mis sueños, gracias por tanto, gracias por todo... allá nos vemos"

Gene Krupa

Discutíamos siempre con mi papá sobre quién era el mejor baterista de la historia. El viejo, que había sido baterista de jazz en su juventud, insistía con que su ídolo e inspiración de toda la vida fue Gene Krupa. Y que jamás había conocido a nadie que pudiera, siquiera, afinarle los parches al buen Gene. No había discos tan viejos en aquellos años de mi adolescencia ni existía YouTube como para que mi jefe pudiera documentarme los motivos de su voto decisivo e incondicional hacia Krupa. Yo, por mi parte, defendía la postulación de John Bonham (baterista de Led Zeppelin). Hoy y ahora, que busco algo con rendirlme memoria a la vida y recuerdos de mi papá, a hora de cumplirse el 14 aniversario de su partida, me di de narices con los videos de Krupa. Y no me quedó más que reconocer que mi papá tenía razón.
Y por una vez, no me dolió perder.
Te quiero papá.
Te extraño...